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Las vidas no tan tranquilas de los acuarelistas Dawn Clements

Las vidas no tan tranquilas de los acuarelistas Dawn Clements

Nos entristeció saber que el artista Dawn Clements, cuyas grandes obras de naturaleza muerta acumuladas capturaron la alegría de la vida cotidiana, falleció recientemente a la edad de 60 años. Según el obituario de Neil Genzlinger paraLos New York Times: "Dawn Clements, cuyos intrincados dibujos y acuarelas capturaron escenas detalladas de su propia vida y de melodramas de películas, a menudo en una escala panorámica, murió el 4 de diciembre, en un hospicio en el Bronx ... Los dibujos de la Sra. Clements, generalmente en tinta sumi o bolígrafo, y sus pinturas a menudo usaban múltiples hojas de papel arrugado, unidas en formas grandes e irregulares que contrastaban con la precisión técnica de su mano ".

Clements apareció en un artículo de John A. Parks en la edición de abril de 2018 deArtista de la acuarela. Luchando contra el cáncer en el momento de la entrevista, Clements abordó su enfermedad y cómo había impactado su trabajo. Dedicamos el artículo, reeditado aquí, a la memoria de Dawn.

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Un efecto acumulativo

Dawn Clements dibuja y pinta su entorno, moviéndose de un punto de vista al siguiente con un ojo intenso y una mano segura durante días y semanas. Las obras se vuelven acumulativas, no solo como observaciones sino también físicamente, a medida que la artista agrega hojas de papel para incorporar cada nueva área de su tema. Poco a poco, crecen hasta convertirse en piezas muy grandes, algunas de más de 20 pies de largo.

Doblado, estresado por el manejo y, a menudo, lejos de ser verdaderos rectángulos, el trabajo terminado de Clements es testigo de un largo compromiso físico con el mundo. Inevitablemente, esta empresa se vuelve autobiográfica, no solo como un testimonio de pasar tiempo en un lugar determinado, sino también al registrar los objetos con los que la artista se encuentra viviendo.

Recientemente, ante problemas graves de salud, Clements ha optado por incorporar pruebas de sus tratamientos en curso en forma de envases de medicamentos. Un cuerpo de trabajo que adquiere la naturaleza cambiante y transitoria de la percepción ahora se ha ampliado para convertirse en una meditación sobre la mortalidad.

Lejos de ser negativo, la gran vitalidad e intensidad del trabajo afirman la alegría del artista al involucrar al mundo, incluso cuando parte del tema asume una nueva conmoción.

FUERA DEL PAPEL

Clements comenzó a trabajar a su manera actual a principios de los 90 cuando dibujaba bodegones y se encontraba viajando. "Estaba en una habitación de hotel en Italia, sacando un cable de teléfono", recuerda. "No había planeado muy bien el dibujo, y la imagen no encajaba en el papel. Me decepcioné hasta que me di cuenta de que realmente no tenía que limitarme al rectángulo del papel, que podía agregar pedazos para extender la imagen.

“Una vez que me di permiso para pegar más papel, me di cuenta de que podía hacer dibujos grandes a partir de módulos más pequeños. Una vez que se cambió el marco del rectángulo, pude pensar en dibujar de una manera más escultórica, que un dibujo no tiene por qué ser una "ventana", sino que podría presentarse como el objeto que es ".

Clements descubrió además que no necesitaba mantener su creciente dibujo plano; cuando se hizo demasiado largo para manejarlo, simplemente podía doblarlo, lo que le permitió hacer dibujos a una escala mucho mayor.

"A veces mis dibujos se rasgan, desgastan o angustian cuando los doblo y los pego", dice, "pero luego los parcho y los reparo. Todo esto es parte de mi proceso ".

Un punto de vista cambiante

El proceso de Clements inevitablemente da como resultado imágenes algo fracturadas. Incorporan varias disyunciones a medida que el trabajo de un día se agrega al siguiente. En cierto sentido, el trabajo refleja la forma en que nos acercamos a un mundo completo y continuo desde un mosaico de puntos de vista cambiantes y entradas sensoriales. Pero los dibujos también presentan una apreciación mucho más elaborada de la riqueza visual de un entorno de lo que normalmente consideraríamos.

Clements trabaja cerca de cada objeto, pasando tiempo observándolo intensamente antes de pasar al siguiente. Ella acepta que su proceso significa que prescindirá de un espacio de perspectiva completo y coherente a lo largo de una obra. Si bien los objetos individuales o las agrupaciones pequeñas pueden tener una perspectiva "correcta", todo el trabajo puede incorporar muchos puntos de vista diferentes mientras adquiere una cierta flexibilidad.

“No solo cambio mi punto de vista”, dice el artista, “sino que podría dibujar en diferentes momentos del día. Esto puede generar múltiples sombras o sombras que no se ajustan a una sola fuente de luz ". El trabajo anterior de Clements contó con una variedad de medios, pero en los últimos años ha comenzado a trabajar extensamente en acuarela.

“Antes de 2012, trabajaba principalmente en tinta y gouache”, dice ella, “a veces bolígrafo, a veces tinta y pincel Sumi, a veces gouache. La gente a menudo describe mi trabajo como "dibujo". Aunque a menudo uso pintura, hay algo en mi proceso que hace que la gente piense que mi trabajo es dibujar. No me importa cómo la gente lo llame. Para mí, es trabajo ".

En cierto momento, Clements eligió usar la acuarela porque combinaba con su sentido del proceso como dibujante. "Cuando trabajo con tinta, generalmente no uso agua o blanco", dice. “Esto hace que el borrado sea imposible. Esto no quiere decir que las marcas no se puedan cambiar. Si realmente no puedo vivir con una marca, la cortaré y pegaré un nuevo trozo de papel limpio. Aún así, la mayoría de las veces trato de vivir con los llamados errores que cometo y simplemente sigo adelante, aceptando que es parte de la experiencia de hacer, y en última instancia de ver, el trabajo.

“Cuando decidí trabajar en gouache”, continúa, “había algo en usarlo que se sentía como pintar. ¿Qué era? Al final resultó que, era la presencia del color blanco en la paleta. Una vez que el blanco estuvo disponible, las correcciones y borrados fueron posibles. Además, la construcción de una forma tenía más potencial para ser más tradicionalmente pictórica. Por lo general, los pintores de aceite trabajan de oscuro a claro. Aunque la gouache es un medio a base de agua, tiene el potencial de ser opaco, por lo que las revisiones se pueden hacer fácilmente ".

Un día, Clements no recuerda por qué, decidió trabajar en acuarela en lugar de gouache, y se sintió muy diferente. "A pesar de que era pintura, sentí que estaba dibujando de nuevo", dice ella. "Me di cuenta de que en acuarela no usaba blanco opaco y que las pinturas siempre eran translúcidas. De alguna manera nunca podría cubrir mis "errores". Esto se sintió como dibujar de nuevo. El espectador tuvo acceso a mi búsqueda y lucha.

"Me encanta cómo la acuarela puede revelar un cambio de opinión o un cambio de posición, una dirección considerada y redirigida".

COMENZANDO PEQUEÑO

La forma en que Clements construye un dibujo mediante un proceso de acreción significa que el papel a menudo sufre una manipulación considerable, y que el trabajo eventual puede alcanzar una escala muy grande. Estas son características que contribuyen a la naturaleza y al poder del trabajo, pero también presentan desafíos en términos de longevidad.

Las obras terminadas se exhiben sin marco, se extienden a través de las paredes de una galería y se exponen a accidentes. "Me preocupa la longevidad de mi trabajo, pero creo que estoy más interesado en la búsqueda en sí", dice Clements. "A menudo hago grandes obras en espacios pequeños, por ejemplo, un gran dibujo de la mesa de mi cocina".

Para hacer esto, puede comenzar con algo pequeño, agregar papel con pegamento a medida que avanza y luego doblar el papel para acomodar su alcance. Clements casi siempre funciona en una superficie plana paralela al piso, como una mesa, y casi nunca funciona en la pared. "Esto me mantiene cerca de los objetos que estoy dibujando y me pone justo allí en la mesa de la cocina", dice ella. "Espero que aunque el trabajo pueda llegar a ser muy grande, nunca sea" monumental "".

Clements se esfuerza por transmitir una intimidad en su trabajo, incluso cuando es de gran formato. “Quiero que el trabajo refleje mi vida y lo que veo, tanto el amor como el desorden”, dice ella. "Tal vez la angustia que le sucede al trabajo es parte de ello".

UNA NUEVA CONDICIÓN

Si bien el trabajo de Clements siempre ha sido un tanto autobiográfico al registrar los espacios en los que ha vivido y trabajado, ha adquirido un nuevo significado desde que la artista se enfrentó a serios desafíos de salud.

"En abril de 2016, me diagnosticaron cáncer de seno en etapa temprana", dice Clement. “Fue devastador, pero por lo que entendí, la cirugía, la quimioterapia y la radioterapia podrían eliminar el cáncer de mi cuerpo. Desafortunadamente, mi cáncer no respondió al tratamiento. A fines de octubre de 2016, se me reveló que se había diseminado a otras partes de mi cuerpo y que tenía un cáncer metastásico en etapa muy avanzada [Etapa IV]. La cirugía no tenía ningún papel y mi pronóstico era muy grave. Esto fue un terrible shock para mí ".

El día después de recibir esta noticia, Clements viajó a Roma para una residencia programada de dos meses en la Academia Americana. "Asegurándome que podría recibir el mismo tratamiento médico en Roma, mi oncólogo me animó a ir", dice el artista. “Un oncólogo en Roma se comunicó con el mío en Nueva York para que pudiera comenzar un tratamiento. Fue un momento bastante loco, ajustándome a un nuevo lugar y un sistema de salud diferente mientras trataba de envolver mi cerebro alrededor de la gravedad de mi nueva condición.

“Como puedes imaginar, este fue un momento muy confuso para mí. Pero allí estaba, en este lugar extraordinario, con un glorioso estudio en una comunidad de artistas y eruditos consumados y brillantes. Fue un momento muy extraño, como un sueño en muchos sentidos ”, dice ella.

DÍA A DÍA

Sorprendentemente, Clements se lanzó a una acuarela muy grande. "Para mi proyecto de Roma [Tres mesas en Roma, abajo] Quería experimentar con algunas ideas que tienen que ver con si diferentes niveles de definición o resolución podrían coexistir exitosamente en un solo trabajo ”, dice ella. “Para hacer esto, creé algunas reglas para mí. Decidí dibujar lo que observaba en varias mesas. En lugar de quedarme fijo en una posición, me movería a lo largo del borde de la mesa para estar siempre cerca de los objetos que estaba observando, interpretándolos de la misma manera que una cámara de video o película podría viajar lentamente y escanear un espacio. "

Clements comenzó cada día cortando un pedazo de papel de un rollo grande, eligiendo un tamaño que pensó que podría llenar ese día. "Por ejemplo, el primer día, planeé pintar una rama de pino, por lo que el papel era del tamaño de la rama de pino, no mucho más grande", dice ella. "El día dos, corté otro trozo de papel más pequeño y lo pegué a la izquierda del primer día de trabajo". Luego pintó una rama de olivo en él. "En cada día posterior, agregaría suficiente papel para ese día", dice ella, "y así es como creció el trabajo [eventualmente llegando a 22 pies de ancho]".

Clements agregó otra regla a su proceso; ella prometió nunca volver al trabajo del día anterior. Ella solo avanzaría. “Podría agregar cualquier tamaño o papel con forma que quisiera, y el trabajo completado podría tener el tamaño o la forma que quisiera dentro de los límites de las ocho semanas de la residencia. Solo estaba limitada por el tiempo, no por el tamaño ”, dice ella.

Las reglas autoimpuestas de Clements sí le permitieron comprender cómo diferentes niveles de resolución podrían operar dentro de un solo trabajo. "Por lo general, habría trabajado en la imagen de un objeto hasta que me pareció que estaba completo, a menudo con un nivel bastante alto de definición", dice ella. “A veces esto llevaría horas, incluso días. En mis trabajos anteriores, ciertos cambios temporales y físicos a menudo me impedían resolver una imagen de la forma en que había pretendido.

“Por ejemplo, una flor se marchitaría o dejaría caer sus pétalos; florecería un jacinto; un trozo de fruta se pudriría gradualmente; o una residencia llegaría a su fin. Siempre traté de responder a estos cambios e incorporarlos al trabajo. El impacto del paso del tiempo y el cambio físico afectó la forma en que compuse y resolví el trabajo. En lugar de controlar mi entorno, intenté asociarme con él.

"Pero en Roma, creé parámetros aún más estrictos para reconocer el papel de la naturaleza en el cambio, el crecimiento, la decadencia y el tiempo", dice Clements. "En mi opinión, esta restricción forzada de tiempo le dio un propósito a la variedad de resoluciones". Junto con el papel angustiado y los pliegues, los niveles de resolución se convirtieron en una parte integral del proceso.

EFEMERA PERSONAL

Mientras persigue este proyecto centrado y reflexivo, la artista reconoce que toda la empresa se vio complicada por su estado físico y emocional mientras lidiaba con su condición médica.

"Mi nuevo régimen de tratamiento, tener que manejarlo en Italia y tratar de comprender mis sentimientos sobre el progreso de mi enfermedad y mortalidad fue difícil", recuerda. “Y el trabajo en sí mismo fue exigente y emocionante para mí. Tomó mucho enfoque ".

Mientras se movía y pintaba las mesas, Clements agregaba objetos como frutas, trozos de papel y otras cosas que encontraba en su vida diaria. “En las últimas semanas de trabajo en esta pieza, seguí tomando píldoras de quimioterapia y mirando la caja, guardando los blísters usados ​​de las píldoras que había consumido. Quería incluirlos en el trabajo, pero no lo hice inmediatamente ".

Se preguntó si su presencia abrumaría el trabajo y crearía una narración que fuera demasiado fuerte y tal vez incluso demasiado sentimental. Pero finalmente, decidió incluir la gran caja de medicamentos (Xeloda) y los blíster vacíos.

"En cierto modo, se convirtió en un calendario, una forma de contar días", dice Clements. “Y decidí que, para mí, sería deshonesto no incluir estos objetos que se habían convertido en una parte tan esencial de mi vida. Se volvieron tan significativos y ordinarios como cualquiera de los objetos sobre la mesa.

“Pero, por supuesto”, continúa, “el texto en el paquete del pastillero es muy legible, y el texto en un trabajo visual puede ser un área de enfoque. La gente lo ve y lo lee. Tiene el potencial de conducir y enfatizar una narrativa ”.

Sin embargo, la narrativa final de Tres mesas en Roma resulta ser mucho más amplio que la historia de una enfermedad. Se incorporan dentro de la imagen frutas, follaje y una variedad de envases italianos que muestran un tipo colorido y elegante. Una lámpara y un teléfono se unen con el desgastado grano de madera de una mesa, y un vistazo de césped y luz en la vista a través de una ventana.

La vida continúa en todos sus aspectos de crecimiento y decadencia. Los artefactos electrónicos sofisticados toman su lugar junto con las formas naturales; cierto gusto por el placer y la ligereza habita la pieza. Toda la riqueza de la vida está aquí. Si algunos de sus aspectos son necesariamente más oscuros que otros, el artista se las arregla para darnos una mirada al conjunto con considerable gusto y alegría.

Un pie cuadrado de césped

Una de las acuarelas más inusuales de Clements:Césped- representa una pequeña área de césped vista directamente desde arriba, en la que se explora cada brizna de hierba y flores silvestres con un ojo casi obsesivo.

"Muchas veces, lo describo como una especie de escalada", dice Clements, refiriéndose a asumir un estado de observación intensa. Reconociendo el gran detalle, señala que con algunos temas, el detalle es inevitable.

"Si estamos dibujando el interior de una iglesia adornada, podríamos considerarnos obsesivos si dibujamos todos los detalles", dice ella, "pero realmente, ese es el tema". Clements dice que su interés en un dibujo minucioso de un parche de césped fue influenciado por ciertas obras de Fra Angelico (italiano; 1395-1455), en las que aparecen secciones de césped, llenas de varias flores, junto a figuras.

"Me sorprendió la revelación de cuánto se asemejan los céspedes europeos al césped de Fra Angelico y que los céspedes de Fra Angelico pueden haber venido de una experiencia observada de su entorno", dice ella. “Debido a que las pinturas de Fra Angelico son tan etéreas, nunca pensé en ellas como si fueran de este mundo. Ver este césped de Fra Angelico en la vida fuera de la puerta de mi estudio en Umbría me golpeó de una manera poderosa. El proceso mismo de dibujarlo cada mañana lo convirtió en un enfoque más meditativo que obsesivo ".

Para pintar el césped, Clements decidió que pasaría solo una hora cada día de su residencia de seis semanas en Umbría pintando una sección de aproximadamente un pie cuadrado de césped. Ella hizo esto durante 23 días consecutivos. "Lo que me interesó fue que el césped siempre está creciendo", dice ella. “A veces, incluso en el transcurso de 24 horas, sería difícil encontrar mi lugar nuevamente.

"No soy botánico, y soy un jardinero terrible, pero fue fascinante pasar ese tiempo con un pie cuadrado de césped".

Sobre Dawn Clements

Dawn Clements (m. 2018) creció en Chelmsford, Massachusetts, donde su padre era artista. Algunos de sus primeros recuerdos fueron dibujar con él en su estudio. En la universidad, estudió cine antes de comenzar una carrera en arte. "Sé que la música y la película influyeron en mi trabajo y me animaron a considerar cómo nos movemos y constantemente enmarcamos, interpretamos y presentamos nuestras experiencias a medida que avanzamos en nuestras vidas", dijo. “Llegué a pensar en la observación como mirar de cerca, pero también escuchar y tocar. Llegué a apreciar los puntos de vista que se mueven y cambian ”.

El trabajo de Clements se ha exhibido ampliamente durante muchos años, incluso en la Bienal de Whitney 2010. También se incluye en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno; el Museo Whitney de Arte Americano; El Museo Tang, en Saratoga Springs, N.Y .; La Colección Deutsche Bank; La Colección Saatchi, en Londres; La galería de arte de Henry; la Universidad de Washington, en Seattle, Washington; y Servicios Corporativos de Colecção Madeira, en Portugal.

Clements hizo su hogar en la ciudad de Nueva York y fue miembro de la facultad de la Escuela de Diseño de Rhode Island.

Artículo escrito por John A. Parks, pintor, escritor y miembro de la facultad de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.


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